IRENE GELFMAN
ABOUT
PRENSA
Pinta BAphoto 2025 (21ª edición)
DIRECCIÓN ARTÍSTICA / CURADORA GLOBAL
Equipo curatorial
Carlos Gutiérrez y Joaquín Rodríguez (NEXT | Fuera de foco)
Guad Creche (RADAR)
Francisco Medail (Artista Homenaje)
Special Project / Binarios: lenguaje secreto
Marina De Caro (Galería Ruth Benzacar)Curaduría: Irene Gelfman
Marina De Caro, Binarios: lenguaje secreto (1996 -2023)
El Special Project de este año está dedicado a la artista Marina De Caro y su serie Binarios: lenguaje secreto. Serie que inicia en los icónicos años noventa, como parte de un desfile-performance que se realizó en la Fundación Banco Patricios, durante unas Jornadas de Arte Argentino del siglo XX organizadas por Jorge López Anaya. Las seis figuras en blanco y negro se mezclaban en el auditorio entre los asistentes a las charlas. Cuando le propusieron esta performance, pensó en crear una piel sensible usando el contraste de blanco y negro, el punto, la línea, los elementos básicos. Una textura tejida, una forma de camouflage que duplicaba la piel, nuestro órgano más extenso.
En 2023 Marina los activó en diálogos en los que los cuerpos establecen relaciones más flexibles, más orgánicas. Los trajes se presentan doblados, plegados en formas que evocan lo que allí sucedió, los momentos en los que esos dobles fueron vividos.
En la obra de Marina De Caro, el cuerpo atraviesa todo su trabajo: el cuerpo como productor de desplazamientos, como caja de resonancia, sensible a todos los sentidos e, incluso, pensado de manera colectiva.
Esta edición de Pinta BAphoto, rinde homenaje a la artista, y a su trabajo a lo largo de estos años.
Video Project / Refugios Frágiles
Donna Conlon (artista estadounidense radicada en Panamá)Curaduría: Irene Gelfman
Donna Conlon: Refugios Frágiles
En esta nueva edición del Video Project se exhiben seis piezas de video de la artista y bióloga estadounidense Donna Conlon, quien vive y trabaja en Panamá y mantiene un fuerte vínculo con la región. Una selección que explora la relación entre los seres humanos y el mundo natural, narrativa que atraviesa toda su producción.
La obra de Conlon, traslada su atención científica al campo del arte, donde sin recurrir a una denuncia directa, se caracteriza por su mirada crítica y poética sobre el impacto humano en el entorno. De esta manera, en la sala se busca crear un nuevo paisaje que revela la vulnerabilidad de los espacios naturales y la fragilidad de nuestra relación con ellos.
Conlon se enfoca en lo que suele pasar desapercibido: objetos desplazados, acciones repetidas, fragmentos que se acumulan y se descomponen. Sus obras no ilustran ideas; las condensan. A través de videos, fotografías e intervenciones mínimas, expone las contradicciones sociales, políticas y ambientales que definen nuestro presente, sin recurrir a la denuncia directa.
En «Presagio» (2022), un pájaro vuela desde un bosque prístino hacia tierras devastadas, simbolizando la huella humana en la naturaleza. «Los Maníferos» (2021) presenta un mundo paralelo donde la naturaleza artificial es la realidad y la supervivencia es la única opción. «De Las Cenizas» (2019) muestra la resiliencia de la naturaleza frente a la acción humana. «Zona de confort» (2010) cuestiona las convenciones sociales que nos limitan. «El Basurero» (2009) es una crítica al capitalismo y su impacto en la crisis climática. “Marea Baja” (2004) es una declaración sobre el impacto de la actividad humana en nuestros recursos naturales. «Refugio natural» (2003) revela la vida que se esconde bajo la basura.
La exposición ofrece una visión profunda y emotiva de la obra de Conlon, destacando su capacidad para capturar la complejidad de la condición humana y nuestra relación con el entorno.
*La participación de Donna Conlon es cortesía de la Galería Espacio Mínimo (Madrid) y la Galería Diablo Rosso (Ciudad de Panamá)
Pinta BAphoto 2024 (20° aniversario)
DIRECCIÓN ARTÍSTICA / CURADORA GLOBAL
Equipo curatorial
Joaquín Rodríguez y Bárbara Golubicki (NEXT | Fuera de foco)
Sebastián Vidal Mackinson (RADAR)
Francisco Medail (Artista Homenaje)
Edición aniversario 20 años.
Más de 55 galerías. 24-27 de octubre, Pabellón 8 de La Rural.
Foco curatorial: fotografía expandida y noción de territorio.
Special Project / Cuatro piezas clave
Cecilia LenardónCuraduría: Irene Gelfman
Con motivo del vigésimo aniversario de Pinta BAphoto, se convoca a Cecilia Lenardón a realizar Cuatro piezas clave, una instalación de sitio específico que pone el acento en los límites de la fotografía.La artista coloca cuatro imágenes de sus dos brazos y sus dos piernas, de casi de diez metros de largo respectivamente sobre el piso de la sala. Las piezas no corresponden a la escala real sino que están hiperextendidas, como si una fuerza externa las hubiera tomado y estirado más de la cuenta, pero llevándolas al límite de lo posible. Al mismo tiempo, están abolladas, se contraen y estiran constantemente en una acción performática que realiza la artista para invitar al espectador a repensar la división de tareas en un conjunto: ¿Cuál es el rol que le corresponde a cada parte de una cadena? ¿Qué reconocimiento tiene la fuerza de trabajo motora? ¿Cuánto puede tolerar un cuerpo? Para explorar estas inquietudes, Lenardon toma la imagen fotográfica quieta y fija para transformarla en algo vivo. Como resultado, aparece el desgaste y el agotamiento en cada pliegue de la obra, así como también en la propia imagen al retratar ropa desgastada y rota. El conjunto habla de la supervivencia, de lo elemental de las acciones que nos permiten estos cuatro miembros; de lo primario y básico, pero también de sus incontables posibilidades.
El ojo en la boca pone el acento en un tópico en boga, Stein nos enfrenta al gesto de tomar las imágenes que están a disposición de todxs y apropiarse de ellas para, en esa multiplicación y manipulación, concederles a cada una el valor de un original. La clave está en su mirada, en su selección, y en ese encuentro fortuito entre la imagen publicitaría y su ojo. El azar entra en juego en el proceso creativo. Stein recorta, interviene y confecciona. Su gesto reside en las sutilezas, en velar con pequeños dripping de pintura, aerosol, capas de material, brillantina y recortes mínimos. Cada imagen con la que trabaja el artista, de por sí, está cargada de deseo, pero un deseo que ahora tiene una doble distancia por la imposibilidad de la concreción de esa promesa de felicidad y por la veladura que el artista coloca. La propuesta reside en mirar lo que queda visible, convocando lo que ha desaparecido, examinando los rastros, las huellas que el artista deja en ese (mismo) acto de ocultar.
Video Project
Amadeo Azar (Galería Nora Fisch), Nicolas Martella (Galería Isla Flotante), Ivana Vollero (Galeria Hache), Alejandro Kuropatwa (Galeria Vasari), Tadeo Muleiro (Galería The White Lodge), Érica Bohm (Galeria Linse)Curaduría: Irene Gelfman
Los seis proyectos seleccionados expanden la materialidad física y conceptual del mismo: el territorio como campo de acción, el territorio como construcción colectiva de nación, el territorio como construcción de identidad y como constituyente de un imaginario social y cultural, el territorio como límite, como espacio ya sea ficcional o real.
Por un lado, la obra de Alejando Kuropatwa se exhibió en 1988 en el Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI) en el que aparecen Divina Gloria y Peter Pirello (integrante del grupo Caviar) cantando el Himno Nacional sobre un fondo de asador criollo, en una parodia a la escuela, los símbolos patrios y las instituciones. Debido a la denuncia de un vecino que la consideró «pornográfica», la pieza tuvo que ser retirada de la exposición. ¿Qué sucederá en el 2024?
En la pieza seleccionada de Amadeo Azar, confluyen varios intereses del artista: el dibujo; el arte sonoro y la música experimental; la historia y el paisaje en tanto constituyentes de la idiosincrasia argentina. Las manos del artista dibujan líneas sincronizadas con sonidos, que van armando composiciones musicales, sobre imágenes de los territorios conquistados por las campañas de Roca al Rio Limay y la expedición al Rio Negro, hacia finales del siglo XIX.
La obra “Abuelo” de Tadeo Muleiro, narra la historia ficcional de un espíritu encarnado en un traje textil que se traslada del campo a la ciudad para manifestarse frente a la estatua de Julio Argentino Roca, uno de los principales artífices de la «Campaña del desierto».
El paisaje de cielos capturado por Nicolas Martella, va en línea con el interés que tiene el artista por pensar en las imágenes del ámbito cotidiano. El cielo para todxs. Sky (city tour) es un registro en video del cielo durante el recorrido de un bus turístico por la Ciudad de Buenos Aires.
La pieza de Ivana Vollaro, forma parte de sus Crónicas Visuales, una práctica donde compartía a través de correos electrónicos, imágenes de su andar cotidiano: fotografías de situaciones urbanas, palabras y señales que encontraba en su entorno. En este video, un arbusto en movimiento capta la atención, aparentemente desafiando cualquier explicación visible. ¿Se trata del primer «arbusto móvil» registrado en la historia? Sin embargo, lo más relevante no es el arbusto en sí, sino lo que oculta, y los efectos provocados por ese acto de ocultamiento.
Por último, los paisajes que capturó Erica Bohr durante un viaje que hizo al continente Antártico son parte de un ensayo sobre la noción del tiempo, la relatividad y la dilatación del mismo.
De esta forma, a partir de la diversidad de las piezas audiovisuales, se invita al espectador a reflexionar sobre su propia construcción de territorio.
Pinta BAphoto 2023 (19ª edición)
DIRECCIÓN ARTÍSTICA / CURADORA GLOBAL
Equipo curatorial
Bárbara Golubicki (Fuera de foco)
Francisco Medail (Artista Homenaje a Boleslaw Senderowicz)
Estefanía Papescu (Simetría Doméstica)
Special Project
Adriana LestidoCuraduría: Irene Gelfman
Adriana Lestido
Con motivo del festejo de los 40 años de democracia ininterrumpida en la Argentina, Pinta BAphoto invita a revisitar nuestro pasado cercano y a reflexionar sobre el tiempo presente a partir de las fotografías de Adriana Lestido.
El recorrido inicia con la mítica fotografía Madre e hija de Plaza de Mayo (1982).
La pieza se transformó en una fotografía icónica en materia de derechos humanos, y en un estandarte de la lucha, del poder y la fuerza de las madres argentinas en nuestro imaginario colectivo. La obra forma parte constitutiva de la memoria de nuestro país. Es una foto que carga con el sonido más fuerte de todos: el de una madre exigiendo justicia y reclamando por su hijo.
El hilo conductor de esta exposición es el vínculo madre-hijo. En los último años, y con motivo de la nueva ola feminista, se ampliaron los debates de lo que se entiende por maternidades. Lestido aborda distintos aspectos sobre esta temática, a partir de diversos ensayos fotográficos que realizó desde el inicio de los años 80. Al entrelazar las series fotográficas en sala, el resultado son obras auténticas y diversas sobre la maternidad, que se alejan del discurso edulcorado. Con sus fotos directas y testimoniales, transmite los conflictos, la simbiosis de la maternidad, la necesidad de la madre, la necesidad de la hija, los cuerpos desnudos, la intimidad y la desolación.
Lestido, es una figura sobresaliente de la fotografía argentina contemporánea. Se caracteriza por realizar sus trabajos en blanco y negro dentro de un estilo documental, aproximándose de forma íntima y dramática a los sujetos que fotografía. Con su ojo, captura los pequeños gestos, los sutiles movimientos del cuerpo. Retrata a sus personajes realizando acciones cotidianas, lejos de poses forzadas y ambientes escenográficos.
Video Project
Marcela Cabutti (Galeria NN por gentileza de Galeria Del infinito), Fidel Fernandez (Galería Arte Actual), Joaquín Sanchez (Galería BGN), Rocio Goméz (Galería Carlos Caamaño), Andrés Piña (Galería Sendros), Facundo Belén (Galería Fundación El mirador), Daniel Romano (Galería Wunsch), Martin Sichettiei (Galeria Hache), Enrique Ramírez (Galería Vigil Gonzales)Curaduría: Irene Gelfman
Video Project es la sección de Pinta BAphoto dedicada exclusivamente a la imagen en movimiento. En su séptima edición, el hilo conductor es la relación de los cuerpos con el entorno y la noción de que en cada acto de mirar hay una expectativa de significado, donde lo importante no es ver, sino la forma cómo procesamos y relacionamos las cosas.
Los nueve proyectos seleccionados expanden la materialidad física y conceptual del video e invitan al espectador a relacionarse e interactuar con las obras en sala. Como resultado de la convivencia de estas imágenes surge la idea que ningún enunciado puede darse sin la presencia de una voz, de una superficie, sin hacerse cuerpo en un elemento sensible y sin dejar rastro en un espacio o en una memoria.
Pinta BAphoto 2022 (18ª edición)
DIRECCIÓN ARTÍSTICA / CURADORA GLOBAL
Nostalgia sensorial
Julia Padilla, Nicolás Requena (Galería Acéfala)
Curaduría: Irene Gelfman
En los últimos años, los límites entre los humanos y lo no-humano entraron en tensión. Nos encontramos frente a un giro cultural que propone una relación horizontal entre las especies. El arte contemporáneo se convirtió en terreno fértil para evidenciar e introducir problemáticas sobre cómo se han (re)configurado nuestros modos de ver, percibir y pensar las relaciones existentes entre la naturaleza, los humanos y las cosas.
La exposición propone un diálogo entre las obras de Julia Padilla y Nicolás Requena, e invita a reflexionar sobre el poder que tienen las imágenes para vislumbrar un futuro habitable. La sala se transforma en una propuesta post antropocéntrica y post humana, donde se ven tensionados nuestros modos de pensar y de habitar el mundo.
Julia Padilla se caracteriza por el ensamble de objetos cotidianos. La artista pone el acento en el desplazamiento que convierte una cosa en otra, y cómo esta acción abre la posibilidad a crear seres híbridos que fusionan lo orgánico con lo animal, lo vegetal y lo artificial. De esta forma, compone superficies sensuales, relacionadas con el cuerpo, que activan lo táctil y generan una curiosidad sensorial.
Nicolás Requena produce nuevos paisajes y seres a partir del uso de nuevos dispositivos tecnológicos. Su obra da lugar a la convivencia en simultáneo de lo real y lo virtual. Sus paisajes y seres virtuales requieren tomarse el tiempo para prestar atención tanto a lo borroso como a lo preciso.
Al adentrarse en la sala, el espectador entrará en una situación que busca sacarlo del contexto cotidiano a partir de obras que median entre el mundo digital y el mundo analógico, y entre piezas que de alguna manera crean experiencias de añoranza de lo natural. Cada imagen puede despertar recuerdos de paisajes y sensaciones olvidadas por un planeta en alerta y motiva a vislumbrar un mundo horizontal e integral que no distingue entre humanos y no-humanos.
2021SPECIAL PROJECT / Pop Up 2021 — Patio Bullrich |
Special Project
Curaduría: Irene Gelfman| Durante tres meses (octubre, noviembre y diciembre), exhibición conformada por obras de las galerías participantes, donde se presentó un relato curatorial vivo, que fue cambiando de tópico cada mes. La exposición —en un mundo sucumbido por la polución visual donde las imágenes están en todas partes— invita al espectador a detenerse a contemplar. |